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北京保利现当代中国艺术夜场部分作品赏析

我是从反映藏族风情的绘画中认识艾轩的,后来才得知他是大诗人艾青之子。艾青青年时代原本是在杭州艺专学画的,留学巴黎后,却弃画写诗了。而酷爱绘画的艾轩,在成年后,出现在写实主义绘画新军中,成为极富个性、极有成就的一位油画家。

只因菊有淡雅清秀、处事不争之特性,故而作为花中君子的菊,历来是文人墨客笔下争相表现的对象。在《幽蓝名菊》中,常玉用油画的方式演绎了他心中的“淡雅与傲然”。常玉用冷色调的画面,平稳的长方形构图,盆中怒放的菊花,豪放热烈的笔触,为画面构造出了整体的印象。这里虽然没有热情奔放的色彩,但却与梵高的《向日葵》一样,给人一种异曲同工的感觉。那一朵朵白菊盛开在绿叶丛中,开得又那么热烈。菊花的花型呈现圆盘状,与刚硬的干和柔美的花形成了强烈的视觉差。

北京保利现当代中国艺术夜场精品将于6月2日晚19:00亚洲大酒店隆重登场。此次夜场云集保利12春现当代艺术部征集的各大重量级精品,将为藏家朋友们提供一次前所未有的视觉盛宴。

寻找心灵的通道

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从1974年在成都部队从事绘画创作,到阿坝地区写生算起,32年过去,在艾轩的绘画生涯中,进藏不下30次了。“有时候就是为了感觉一下,体验一下,充一下电,让心灵去放飞。”

常玉 幽蓝明菊 木板 油画

赵无极《 23.3.68》  1968年作  尺寸:89×130cm

“藏区什么最吸引你?是神秘感?还是独特的人与自然的关系?”

50年代 70×62cm

估价待询

“开始,藏区吸引我的是外在的东西,天空是湛蓝的,人的皮肤是黝黑的,配饰又是那么鲜艳,草地到处盛开着鲜花……我第一感觉像是到了异域,完全不同的天地。后来,才真正感觉到,在那里能寻找到很符合我追求的一种精神。大自然激活了我深层的心理诉求,我找到了诉说的空间。”

估价待询

赵无极的抽象绘画不是通过如实描绘自然来表现的,他的绘画体现的是中国艺术传统中天人合一的观念。他是以抽象宇宙景观为借题以描绘内心感受的真实,追求的是对有限时空的超越感受和对外在客观现实世界的束缚的摆脱的自由体验。他的绘画体现一种“中和”的态度:画面整体体现辩证哲学思想,有无相生,虚实相应,寓动于静,巧拙并举。这种观念正是中国传统哲学思想的精华所在。赵无极的绘画相比西方绘画有一种阴柔之美。但却柔中带刚,绵里藏针。画面表现水,表现风等看似柔软无形的物质,但正是这些看似柔弱的事物却有排山倒海般的摧毁力,表现出雄健强大的一面。赵无极的绘画表现动,这种动是对生命积极向上的一种歌颂赞美,看他的画,可令人感受宇宙生生不息拼搏向上的顽强豪迈的气息,备受鼓舞。

“你在西藏看到了怎样的人和自然的关系?”

《幽蓝名菊》是常玉比较有代表性的静物油画。常玉自幼学习书法国画,从这张画中不难看出一种中国画特有的韵味。作为静物画,这件作品的整体布局和色彩凸显一种别样的静,但静中又有一种抑制不住将要迸发的动势。虽是静物画,但好像画面中包含了多元的寓意。作品虽然以白、黑、蓝为主色调,但画面中却掩含不住一种压抑在内心的傲然与奔放。虽淡然于世却有无限才情,随心所欲、随心所发、随心所致。这何尝又不是画家的一种精神观呢?常玉曾说“当代画家们总带点欺骗的以多种颜色作画,我不欺骗,故此我不被归纳为这些为人接受的画家之一”。正像画中被环境深邃的包围着却依旧傲放的白菊一样,常玉也以自己的格调、单纯的高雅,表明了一种傲然的自信。

赵无极60-70年代初期的作品,应该说是最使人心潮跌宕的。那个时期正好是赵无极精力最为旺盛的艺术青壮年时期,画面一扫早期有点阴柔、文雅而略显纤弱的风格,洋溢着澎湃的激情。他把在巴黎学到的地道的西方油画语言巧妙地融合在他的充满水墨写意情趣的作品中。一个西方人是无论如何也难以体会水墨在洁白的宣纸上缓缓渗化开来,毛笔在纸上抑扬顿挫所产生的那种感受。赵无极成功地把这种感受转化到了亚麻布上,北宋梁楷的泼墨技法在此得到了深化。这件作品以黑、褐等单纯冷晦幽暗的色彩为基调,笔触剧烈动荡,充满力度,画面极富运动感。比起德库宁的抽象作品,有过之而无不及。在赵无极的作品中,给人感受更多的是画家个人难以平复的种种感情纠葛,悲哀、矛盾、痛苦……而正是这种大悲悯的境界造就了这种大艺术。

“我更多感受到的不是壮丽和辽阔,而是作为人的孤独和渺小。人在自然面前显得太单薄、脆弱和无奈,地平线特别辽阔,人是那么渺小,被远方严峻的地平线回收和释放。”

随着国家经济、文化领域的开放,西方现代绘画成为中国油画家更新艺术观念、改变艺术风格的重要借鉴对象。油画家纷纷从原有的写实形式和现实主义艺术思想出走,实践“观念更新”的油画家出现与过去截然不同的关注点:一方面是对中国传统文化和各种原始、边远的生活情趣的关注,另一方面是对西方现代绘画风格的兴趣。两种追求的结合使表现、抽象和象征成为新的艺术取向。

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“有人称西藏是你灵魂的寄存地?你认同么?”

在二十世纪,从事纯粹的抽象性绘画的人比较少,而王怀庆则是其中一位。他们从自然景色、具体物象中发现有意味的形体、色彩元素,将自然物象加以分解,然后以纯粹的色、线、面组织起含有个人感情趣味的形式。他们没有切断形式元素与现实事物的联系,而是保留着个人对现实世界的记忆、幻想以及通向现实世界的形、色、光、影脉络。

赵无极《14.11.1974》  布面 油画  尺寸:46×55cm

“也可以这么说吧,有一种情感的基础,人对世界潜在的感觉,以往似乎没有发掘出来的,在藏区被发掘出来了。有一个孤寂的地方,可以把自己的一生托付给它,在纷繁中寻找到一份宁静,在西藏我找到了这种感觉。我的童年和少年都是在混乱和纷争中度过的,父母离异,父亲被打成右派,‘文革’中的非正常生活,我一直想

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签名:ZAO WOU-KI

逃离……”

王怀庆 多寿 纸本 设色

估价:8,000,000—12,000,000

1987年,艾轩以访问学者的身份到美国,一年后,他选择回国,而回来第一站就是四川阿坝藏区。“我在美国签了两年合同,一年就回来了。那是个毁人的地方。说好听是访问学者,实际上就是为美国的画廊老板打工。他让你画什么就画什么,说怎么画就怎么画,还要快画,多画。我深深体会到商业对一个艺术家的

年代 1996年 110×80cm

出版:《ZAO-WOU-KI 赵无极》P264 LEYLEYMARIE撰文 EDICIONS POLIGRAFA S.A.
AND EDICIONS HIERET 出版 巴黎及西班牙 封面 1978年

干扰有多大。我像是一个被煤气熏倒的人,往门那儿爬,还有一丝知觉,推开门就清醒了。1988年回到中国,赶紧去藏区,那里的空气真新鲜。回国快18年了,我几乎每年都去,不知为什么,一看到那原野,我鼻子就发酸。在自己的国土上,可以沉下心来创作,不像在美国,到哪里都是浮光掠影。”

估价 RMB 1,000,000-1,500,000

《ZAO-WOU-KI 赵无极》P264 LEYMARIE撰文 New York Rizzoli International
Publications.inc封面 1979年 美国纽约出版

西藏是艾轩灵魂的寄存地。在他找到那里以前,他的灵魂,没有故乡,四处漂泊。但是,一旦找到阿坝,认识阿坝,他的心被藏区强烈地震撼之后,他的灵魂便被俘获。两者融合的结果,就是他那些以藏区为题材的油画作品。

王怀庆是一位兼善油画与中国画的画家。他关注并重视中国传统文化,从个性化的艺术需求出发研究、吸收传统文化。《多寿》这件作品中,形式、色彩很简单,仅仅用斜线构成的桃形极具抽象性,有点逸笔草草的意味。王怀庆选择了中国传统绘画的题材——多寿,在综合媒材的运用和绘画与装置的结合方面,将传统中国画与现代油画在手段、趣味、形式方面相为流通,互为借鉴。中国传统绘画本身具有突出的表现性,这使中国艺术家在理念与趣味上与表现主义灵犀相通。

《ZAO-WOU-KI 赵无极》P264 LEYMARIE撰文 FRANCOISE MARQUET集成 封面
EDITIONS CERCLE D’ART 巴黎出版 EDICIONS POLIGRAFA S.A. 巴塞隆纳印制
1986年

琼白的眼睛

王怀庆的作品总是保持着现实物象的影子,荡漾着抒情联想,这显示了他固有文化气质对他创作的深沉影响,他的作品处于具象到抽象,东方到西方的连结点上。用西方的表现方法来表现中国传统的绘画的题材,王怀庆已运用得挥洒自如。

这幅《14.11.1974》是他的抽象画成熟期的作品。此画是赵无极第二次回国之后所做。当时是在他阔别祖国48年后,对祖国苏州园林等历史遗迹和文化艺术,有了再一次直接的感性认识以后,在创作上进一步研究的成果。充分体现出他对西方油画材料的纯熟掌握,对中国绘画空间、虚实关系的了解,还有艺术家东方式的情感、动作与笔法之间顺畅的连接关系。这幅画与赵无极其他的艺术作品一起,证明了中国艺术家可以站在国际性的高度,把西方现代艺术的创作形式,与中国传统艺术的微妙和精神性,与艺术家个人真挚的感情,三者结合在一起,成功地创造出中国的现代绘画。

艾轩告诉我,藏族女孩琼白就是阿坝发现的。上世纪90年代初,有一次去阿坝,他需要寻找模特,就去一个民族学校。下课的时候,孩子们飞快地从教室跑出来,“我一下捕捉到一个女孩,她的眼睛很特别。她就是琼白。尽管她用头巾蒙着嘴而且还低着头,但是她出门的一刹那,她的眼神还是被我捕捉到了。我特别想表现这种眼

经济的全球化必将带动文化的全球化,这并不是说文化趋于统一,而是文化愈加的多样化,内容更加丰富、精彩。中国绘画不是西方绘画的一个分支,中国绘画也不是一成不变的,中国画家也不能墨守成规。像王怀庆这类的画家们不断地去汲取东西方文化的精华,去创新去创作,才能让艺术具有活力。

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神,不仅是纯洁、清澈,还有对这个世界充满了期盼和渴望。”

王怀庆的作品很容易让人想到后现代主义的某些建筑设计,画面形式因素的高度单纯化、精致的设计性和对形体的几何化处理,似与构成主义者、新抽象主义者的追求有相通之处。

陈逸飞《 预言者》 布面 油画   尺寸:116×138cm

的确,在艾轩的油画中,让人们感受最深的就是藏族女孩的眼睛,晶莹剔透,清纯、充满了淡淡的忧郁。至今艾轩还珍藏着琼白给他的厚厚一沓信。“琼白当时大概16岁吧,她很内向,比较低调,挺懂事,骨子里心气很高。我们之间建立了友谊,相互通信。我曾多次邀请她到北京来旅游,还为她的今后做过种种设想。不知怎的,却一次次落空。最后,通信中断了。我去阿坝的时候,千方百计地寻找她,才知道她已经结婚。她为了给阿妈治病,为了供妹妹读大学,也为了自己的生计――放牧100多头牛,她变得特别现实。她哥哥带我们到一个小屋――琼白自己的新家,挺荒凉的,周围什么都没有,只有小屋后面严酷的地平线。我再一次感受到人的渺小

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估价:10,000,000——12,000,000

和命运的多变。”

王怀庆 直角 布面 油画

出版:《陈逸飞近作》P3 美国纽约汉默画廊 1984年

9年了,一切都在变。琼白最大的变化是心理上的,她由于疲惫辛劳而变得漠然和麻木。她成为一个跟自己的祖辈们没有任何差异,只是在等待日出和日落的最普通藏族女性群体的一个。“如果她来北京看看,或许能改变命运,我至今为她感到遗憾。”

2000年作 131×145.5cm

《浙江美术》1984/85

多年以来,艾轩的一系列油画中的人物一直处于一个事件、一种情绪的过程中。西藏雪域高原是他永远的做画空间与背景。一个藏族小女孩或是一个青年,站在寂静又纯净的冻土带。那些人物有一种苦难美,让人爱怜和同情。他们在思考什么,又凝望什么?实际上,这表面上的宁静正是他们心理上不平静的一种反映。

估价 RMB 5,000,000 – 7,000,000

《陈逸飞》P18 日本东京西武画廊 1989年

艾轩一次次将纯真幼稚的藏族小姑娘置于一个非客观化的背景中。随风摇曳的乱发中,无助的大眼睛闪烁着明亮和忧伤。它有一种冲击力,让我们直接对视着他给我们主题,对视绘画的故事和它的内涵。

《直角》这件作品以黑白为母语、以木结构为母题,结构是画面的中心与主导。如水墨般效果的色调和类似破坏墙壁的肌理让人联想到黑瓦白墙的江南水乡。画面用单纯的黑白来表达一种与传统审美意识相联系的强烈效果。深入观察,好像把人引向内部空间,去想象,去思考。在正方形的木框里,有许多边线,是无规则的。每条边不是绝对平行的,所以在里面也形成了一个带角的不规则的四方形。从整体造型看,这形成了正确与不正确之间的参照系。这种形状来自中国的建筑、家具中的榫卯结构造型,边线不规整却相互联系,在一个很规则的、受到限制的空间中若即若离地相通。整个画面将高度的单纯与高度的“完成度”、“精致性”统一起来,形成鲜明的个性特征。

《陈逸飞》P16美国纽约汉默画廊 1990年

忧郁美和诗意

对于王怀庆这一时期的作品,吴冠中归结为他的创作是在追求童心。吴冠中这样说道“作者极力发挥黑之威慑力,强调黑与白的交织
推敲肌理的铺垫,经若无声有序的生存空间,以孕育童心”。“信乎风格及人格,其强劲的结构观念正在逐步拓展,其作品的赤子之心日益明显”。《直角》等作品是画家艺术风格的一个转变,他用一颗童心去简化构图与形式,用西方的绘画工具材料去表达他内心对于东方文化的审美意识。单纯的色彩、单纯的结构正是画家对于绘画制作达到高度凝练的地步,是对艺术创作进一步的探索与自我创新,最终形成个人的艺术风格。

《陈逸飞》P39 天津杨柳青画社 2008年

质感的皮袄,忧郁的眼神,荒凉的背景,简单的构图,通过局部渐进式地展示人的内心,几乎成了艾轩画作的符号。数十次的川藏之行,画家发现了藏区的美,发现了琼白的眼睛,同时也寻找到自己心灵的通道,找到了绘画的语言。

陈逸飞作为中国现代画家,他的油画作品最大的特点就是将人心灵情感中弥漫的宁静与柔美的感受,以写实主义的艺术语言传达出来。不过,陈逸飞的写实主义“画风融合了写实主义和浪漫主义,叫人想起欧洲大师的名作”(1985年美国《纽约时报》),正是这种写实的浪漫给他笔下的女子肖像增了一份柔情,添了一份神采。

《陈逸飞》P171 上海美术馆、陈逸飞基金会

“我始终喜欢一种感觉――忧郁。我甚至陶醉在一种忧郁的情怀中。”艾轩的画作中充盈的那种忧郁的感觉,让人感动和震颤,让人感受到画家的诗人气质。

画面中具有东方气质的女子,一手轻拎金色鸟笼,一手微翘似正要嬉斗笼中金色小鸟,她的脸庞微侧,柔顺的卷发滑于一肩,微微上扬的嘴角,让人产生一瞬间的动情。女子仿佛立于人前,整幅画面有诗意的美感,一种纯、一种静,这是陈逸飞对具有古典美的现代女性的一种概括,不单以美一字概之,而是把对人物普遍的审美升华至理想的高度。

《预言者》中女子和服的质感,看在眼里竟然恍惚生出触感,宽袖上的折痕,绸缎上的织图,还有她的皮肤、神态,都是如此写实,以“预言家”命名,使得作品更有诗意。陈逸飞在作品中善用黑色的背景,这件作品和他的音乐家系列一样,大片的黑色,画面简洁空灵、人物典雅高贵,那些光影,女子的手,服装的质感和光泽,黑色背景上清晰的黑色发丝,都雅致到让人惊叹的地步。2010年4-5月,该件作品在上海美术馆参加“陈逸飞纪念展”期间,被评为陈逸飞生平最重要的5幅作品之一(其余四幅作品为《踱步》、《黄河颂》、《长笛手》、《红旗颂》)。值得一提的是,这件作品的模特似乎是画家后来的第二任妻子宋美英女士,作品也因此多了一份价值。